アイルランドの現代ダンス史

アイルランドというと、伝統的なアイリッシュ・ダンスをショウ化した「リバーダンス」が飛び抜けて有名ですが、コンテンポラリー・ダンスについて、概略を伺えますか。

　アイルランドは、小規模ながらも活気あふれるアートシーンを有しています。歴史的に見てもジョイス、イェーツ、ベケットをはじめとした文学、戯曲といった言語芸術を筆頭に、U2のようにメッセージ色の強い音楽など有名なものがいろいろあります。イェーツは、1904年、友人たちとともにアイルランド国立劇場を設立して、ダンス作品も発表しています。

「舞踊劇（Play for Dancers）」ですね。そのなかのひとつ『鷹の井戸（ at the Hawk’s Well ）』は、日本のモダンダンスのパイオニアの一人、伊藤道郎とともに能をベースに作ったものです。

　そうですね。イェーツはニネット・ド・ヴァロア（アイルランド出身。バレエ・リュスで活躍し、後に英国ロイヤル・バレエ団となるサドラーズ・ウェルズ・バレエ団の創設者）にバレエ学校を設立するよう助言もしています。しかし、アイルランドには国立のバレエ団がなかったばかりか、ダンスが政府の芸術法令（Arts Act）で芸術として認められたのは、わずか10年前の2003年になってからのことです。
歴史的には、アメリカに多くの移民が渡っているので文化的なつながりも深く、1980年代はポストモダンダンスの影響を強く受けました。4つの大きなダンス・カンパニーがプロフェッショナルな仕事をしましたが、80年代後半には助成金の削減などの理由で解散してしまいました。そのうち何人かは活動を続け、89年に「アイルランド・ダンス協会（APDI：ASSOCIATION of PROFESSIONAL DANCERS in IRELAND）」を創設しました。これが「ダンス・アイルランド」の前身です。
APDIはアーティスト同士の勉強会的な意味合いも強かったのですが、90年代にはアイルランド初のダンス・フェスティバルを開催するなど、重要な存在でした。アイルランドの面白いところは、アーティスト自身がコミュニティを作って発言することで、彼らはアーティストであるとともにダンスの擁護者なのです。

1994年にはリバーダンスがユーロビジョンで放映され、世界的な大ヒットになりました。そしてダンスが芸術法令に認められた2003年、イタリア出身のピサーロさんもアイルランドに移住されます。アイルランドのダンスの何に惹かれたのですか。

　私は、イタリアでフェスティバルやダンス・カンパニーのコーディネーターとして国際プログラムに携わっていました。しかし、大学の卒業論文は演劇作品についてのもので、そもそもアイルランドの文化に魅了されていたのです。幸運にも2003年にダブリンのコンテンポラリー・アート界で最も重要な存在だったプロジェクト・アート・センターにインターンシップで招聘され、6カ月間滞在しました。折しもアイルランドは2000年頃からの「ケルトの虎」と言われる好景気の時期で、経済的な後押しもありました。アイルランドで働くアート関連の若い外国人はほとんどが演劇や映画のジャンルだったので、ダンスで訪れている私は珍しく、好意的に受け入れられました。
インターンの後、私はアイルランドで最も有名なカンパニーの1つ、アイリッシュ・モダンダンス・シアター（Irish Modern Dance Theatre）のマネジャーとして働きました。ディレクターのジョン・スコットの座右の銘は、「アイルランド伝統芸術の物語性に打ち勝つ！」（笑）。彼はダンスを通じて、伝統的な言語芸術の保守性に挑戦していたのです。毎年ジョンは振付家を海外から招待し、セラ・ラトナー、トーマス・レーメン、若い頃のショーン・カラン等に振付を委嘱し、若いアーティストとコラボレーションさせたりしていました。私にとって彼と働くことは、ダンス・カンパニー経営の特訓を受けているようなものでした。そして、2006年にAPDIに移りました。

ダンス・アイルランド設立

2006年というのはAPDIが、現在の「ダンス・アイルランド」へと改称された年です。

　およそ10年にわたるロビー活動の結果、芸術協議会、ダブリン市議会、マッケイ・ビルダーズの共同事業として、ダブリンに新しいダンスハウスのビルが建設され、APDIはダンス・アイルランドに改称されました。ダンスハウスには、実用的な6つのスタジオがありますが、どれもアーティストの声を反映させた、清潔で温かく、明るいスペースになっています。
私が働き始めた最初の数カ月間は、最高責任者や理事会と共にここをどう発展させていくかを考え、プログラムを検討することに費やされました。かつてアイルランドのダンサーは、本格的に学ぶためにイギリスやフランスなどに行く必要があり、多くはそのまま帰ってこなかった。そういう状況を変える必要があったのです。

ダンス・アイルランドの設立には、 ヨーロッパ・ダンスハウス・ネットワーク（EDN） の支援もあったのですね。

　 EDNはダンスハウスを設立したいと考えている国に対し、国家レベルでのロビー活動を展開して援助してくれるネットワークです。私もフランスやアメリカ、ドイツ等を訪れ、アイルランドに適したダンスハウスのモデルを模索しました。その結果「プロフェッショナルのための空間ではあるが、午後6時から10時までは一般の人々にも開かれている場所」という、いわば結合モデルにいきつきました。これは画期的だったと思います。プロのみならず一般の人々もヨガ、ピラティス、ボクシング、伝統舞踊、バレエ等、様々な運動を行うことができ、幅広い年齢層が参加しています
プロ用のプログラムにはトレーニング・プログラムと発展プログラムの2種類があります。トレーニング・プログラムはAPDIから継承したものです。年間およそ42のレッスンが定期的に行われ、海外から招待された講師のレッスンもあります。発展プログラムでは、振り付けラボやセミナー、海外の団体との交流プログラム等、様々なプロジェクトを行っています。レジデンスしているアーティストには最低1週間は公開レッスンをしてもらい、スタジオ・パフォーマンスや講演、時には過去の作品のビデオ発表等を行います。
またアイルランドでは、ダンスをはじめほとんどの芸術がダブリンに集中しているので、他の町の小さな組織やカンパニーを助けることも重要な仕事です。

運営費について教えてください。

　 APDIの頃は年間10万ユーロ程度でしたが、「ダンス・アイルランド」になってからは3倍以上の約35万ユーロになり、より充実したプログラムを行うことができるようになりました。アイルランドの芸術協議会から支援されていて、その金額は毎年変わります。昨年度は40万5千ユーロ、今年度は37万ユーロでした。また、ダブリン市議会からも1万2千ユーロほど支援されています。最終的には、年間およそ75万から80万ユーロほど調達していて、残りの50%はスペースを個人レッスンの講師に貸したり、プロジェクトを通じて自分たちで工面しています。共同プロジェクトにしてお金をかけずに制作していますし、また、ヨーロッパ・プロジェクトについては資金の40〜50％がEUから払い戻されます。スタッフは最高責任者、総支配人、私、マーケティング、そして受付2人の6人だけです。レッスンには講師を雇い、アーティストにお金が回るようにしています。

昨今の不況の影響はありますか。

　2007〜8年頃から経済が後退し、2009〜10年頃から支援が削減され始めましたが、「芸術は国の重要な資産だ」として一定額が保護されたことは素晴らしいと思います。3年前には「芸術のための国民運動」という、全ての芸術部門を支える政治レベルの組織が設立されました。映画界や音楽界の有力者を巻き込み、政治家たちと直接話し合う場を設けたのです。デヴィッド・バーンが国会に行けば、どんな政治家も耳を傾けますから（笑）。他のヨーロッパの国々ではアートを取り巻く状況が急速に悪化し、景気低迷が拍車をかけたりしています。アイルランドは芸術関係者が団結し、ふつふつと情熱が感じられる、珍しいケースだと思います。

新しいアーティストの育成方法

従来はフェスティバルや創作への直接的な助成が盛んに行われてきましたが、最近ではアーティストを強化し、環境づくりに力を入れているところも多いですね。

　どちらも必要だと思いますが、確かに今はフェスティバルなど発表の場に資金をつぎ込んでいるだけでは不十分だと思います。私たちは、アーティストの要求にただ受動的に反応するだけではなく、先見性をもって本当に必要なものを提供しなければなりません。私たちの仕事はアーティストが自分の道を切り開けるよう、より多くの門を開き、より多くの橋をかけることです。いわば「進行役」で、彼らに対して手取り足取り指導し、プロジェクトを無理強いすることではありません。共同プロジェクトのほとんどはプロデューサーが中心となって組まれたトップダウンのものです。しかし私達は、作品発表よりもアーティストの成長を重視する組織なので、共同作業が有機的に育つようなボトムアップの環境をつくるべきだと考えています。
アーティストの作品発表の方法にも様々な変化が表れています。たとえば今では、フェスティバルで自作品が入ったDVDをプレゼンターに配るアーティストは、もうほとんどいません。それよりもプレゼンターと話す機会を設け、関係を築き、将来の共同作業へと繋げる傾向が強くなってきました。幸運なことにダンスは、もう単なる「売り買いの時代」ではなくなっているのです。

プレゼンターにとっては、「商品となる作品」よりも、アーティスト自身を育てることが大切になってくるわけですね。

　はい。この変化は、支援制度とアーティスト自身の進化によってもたらされたと思います。アーティストは自らの活動の主導権を握り、私たちのような組織や知識を利用して関係性を築き、将来のプロジェクトへと繋げていくようになりました。これは私たちのプロジェクトの礎でもあります。最近、カンパニーをつくらない独立した若いアーティストが増えていますが、それは自分で創作に必要な環境をつくらなくても、個人プロジェクトを支援してくれるシステムが整ってきたからだと思います。アーティストの活動の仕方は変わりましたね。

ツール・ド・ヨーロッパ

ダンス・アイルランドが主導している国際的なプロジェクトについてご紹介いただけますか。「E-motional Bodies&Cities」については、Performing Arts Network Japanのインタビューで主催者の コスミン・マノレスク さんに伺っていますので、「ツール・ド・ヨーロッパ」について教えてください。

　ツール・ド・ヨーロッパは、教育に特化したレオナルド資金計画からの後援を受けた、若い新進芸術家のためのトレーニング・プロジェクトです。創作支援ではなく、若いアーティストが活動を推し進める上で必要なスキルを身につけさせることを目的としました。「アーティストは起業家（entrepreneur）であれ」というわけです。
スペイン、ポーランド、フランス、ドイツとアイルランドの5カ国が協力し、それぞれ1週間から10日間のセミナーやアクティビティを10人のアーティストに提供しました。彼らは街から街へと移動し、各国の支援システムや芸術システムを学び、各組織が持つ知識を共有します。ダンス・フェスティバルの会期中には、私たちが主催を務めて、「アーティストはプレゼンターとどう接するべきか」を討論してもらいました。プレゼンターにも様々な世代がいるので、対立する意見がいろいろ出て面白かったですね。マーケティングの担当者には効果的な宣伝方法、特に英語圏以外のアーティストが英語で宣伝するときに陥りがちな問題等を述べてもらいました。

それは実に実践的な方法ですね。

　面白かったのは、「フランス人はコンセプトを重視し哲学的な文章を書くが、英語に翻訳するとほとんど意味が伝わらない」とか、イギリス人が写真の重要性を主張すると、ドイツ人はそれでは売れないと反論したり（笑）。こうした会話を通して、それぞれの文化的背景も明らかになってくるんです。国際プロジェクトで重要なのは、プロジェクトを通して他国のアーティストを知ることはもちろん、各国で作用している様々なシステムを知ることです。ヨーロッパは国の集合体であり、ダンスはその共通言語たりえますが、やはり各国の文化システムに位置づけられていますからね。他国で創作しようとすれば、異なる環境に直面することになります。特にダンスは移動や国際プロジェクトが多く、複数の国から助成を得ることも多いので、アーティストは各国の政治方針や支援システムの違いも意識するべきなのです。

まさに起業家ですね。かつてアーティストは無心に作品づくりをしていればよかった。しかし今は自ら理想を実現するためのスキルが必要になることも多いですから。

　その通りです。アーティストは人間的に強くある必要があります。フランスには伝統的に「経験者の後について旅をし、仕事を学ぶ」という教え方がありますが、私たちは「芸術以外の分野の専門家を指導者としてアーティストに付ける」ということもしました。例えばアルプス山のガイド、ホテル管理者、科学者などです。自分よりも年配の人から直接人生や仕事の経験を学び、自分のものとするためです。とても実用的なトレーニングでした。中には失敗した組もいましたが、ほとんどが成功でした。
現在、ヨーロッパでは多くのリーダーシップ・プログラムが行われており、それらは全て「人生において何をどうしたいのか」を問うものです。それは慣れ親しんだものとは異なる環境で体験されなければなりません。なぜならアーティストは（芸術関連の仕事をしている人たち全般に言えることですが）、「外の世界」があることを忘れがちだからです。私達はあまりにも多くの時間を劇場で過ごし、話し合うのも仲間内だけということが多い。アーティストは理想家でもいいですが、「現実から切り離されず、現実と批判的に付き合い、常に先を見ている者」でなくてはなりません。そして絶対に「マーケットの奴隷」になってはいけません。

それは極めて重要なポイントですね。特に若い世代は、マーケット受けを狙って、同じような作品になってしまうこともありますから。

　「マーケットの需要を満たす人物」にではなく、「需要を生み出し、そこにマーケットが反応するような状況をつくる人」にならねばなりません。たとえば、このプロジェクトに参加したある女性アーティストは、「環境問題に取り組んでいるので、飛行機での移動はしたくない」と言い出しました。私たちは心配しましたが、彼女は予算内に収めるために安い地上の交通ルートを探しだし、友人の家に泊まり、1週間かけて現地に着きました。彼女は一連の過程そのものが自分のプロジェクトの一環なのだと考えていました。「自分が物事にどう取り組みたいのかを明らかにし、現実的に成し遂げる方法を模索する。すると最初は問題にしか見えなかったものが、魅力的な挑戦へと姿を変え、他の参加者や主催者も巻き込んでいく」……これは私たちにとっても感動的なことでした。

「モジュール・ダンス」と「カルテ・ブランシェ」

「モジュール・ダンス　Modul-dance」について伺えますか。

　これはEDNが主宰するプロジェクトです。プロジェクト・リーダーはバルセロナのメルカット・デ・レ・フロース Mercat de les Flors で、支援金はおおよそ400万ユーロ。現在ヨーロッパで支援されている最も大きなプロジェクトでしょう。
趣旨は、主流から離れた地域の若いアーティストのために、各ダンスハウスがアーティストに作品づくりに必要なモジュール（リサーチ、レジデンス、プロダクション、プレゼンテーション）を与えることです。5年間のプロジェクトで、様々な規模や背景の組織が20以上参加しています。最終的にはヨーロッパ中から集まった40〜45人の振付家がサポートされ、400以上の発表が行われる、大規模なプロジェクトです。
このプロジェクトの中には若いアーティストのための「カルテ・ブランシェ」というアクティビティもあります。若いアーティストを他のダンスハウスに滞在させて多くの人と出会わせる、という点では変わりませんが、作品をつくったり、上演するといった成果を問われることはありません。まさに「カルテ・ブランシェ（白紙小切手）」なのです。

素晴らしいですが、「遊ばせているだけじゃないか」という批判はありませんか？

　そのような偏見は常にありますね。これは「面白いアーティストがいるんですが」と売り込むのではなく、水に物を投げ込んで波紋が広がっていくのを待つようなものです。先ほどの飛行機で移動したくないと主張したアーティストはフランスとドイツの劇場関係者と良い関係を築き、今では作品をつくりに彼らのもとを定期的に訪れています。私たちの仕事は「出会いの機会は提供するが、それを将来に繋げて行くのは自分自身だよ」ということをアーティストに伝えることです。
もちろんひたすら作品を売りたいのだ、という人もいます。彼らは間違っているわけではなく、別の働き方をしているだけです。しかし全体的に「関係性を築く」という形態がこれから主流となっていくでしょう。支援が限りなく少なくなっている今、私たちは結束し、協力するしか方法がないからです。それが経済危機のもたらした唯一の利点です。

ダブリン・ダンス・フェスティバル

ダブリン・ダンス・フェスティバルについてご紹介ください。

　国際的な作品を発表するプラットフォームとして2002年に始まった比較的若いフェスティバルです。ダンスに特化したフェスとしてはアイルランドで唯一です。創立時の芸術監督はキャサリン・ヌネス Catherine Nunes で、2006年までは「国際ダンスフェスティバル」として隔年開催されていました。2006年に「ダブリン・ダンス・フェスティバル」と改称し、毎年開催されるようになりました。各国の重要な振付家が作品を発表し、アイルランドの観客も他国で行われているダンスを知ることができるようになりました。マース・カニンガムは最初に作品を発表した人のひとりです。2006年に新たな監督、ニューヨークのダンス・スペースのローリー・アプリチャード Laurie Uprichard 、2011年からロンドンのジュリア・カラザーズ Julia Carruthers が芸術監督になりました。結果的にアイルランド人、アメリカ人、イギリス人という、それぞれやり方の異なる3人が就任したことになります。
私たちの施設には劇場がないので、通常6人ほどのアーティストが3人ずつ、それぞれ20分程の作品をスタジオで発表していましたが、今年からはピーコック国立劇場の小劇場も使えるようになりました。

他に重要なフェスティバルはありますか。

　ダブリン・シアター・フェスティバルも時々ダンス系のカンパニーを1つか2つ組み込んでいますね。またフリンジ・フェスティバルや、かつて私も働いていたプロジェクト・アート・センターが若いアーティストの発表をサポートしています。
アイルランドの地方には多くの劇場がありますが、ダンス作品を上演するのが難しいので、ダブリン以外でツアーできるよう援助する「ツーリング・エクスペリメント」というプロジェクトもあります。これは地方でダンスの上演が決まり次第、ワークショップや講演を開催して集客の手伝いをするものです。通常はダブリンでオープニングをし、5公演ぐらい行った後、郊外の劇場を4〜5ヶ所回る小さなツアーをします。とはいえアイルランドの劇場は約150〜200席規模で日本のように大きくはありませんから、ダンス公演の観客は100人程です。

観客はどのような人々ですか？　また増やすためにどのようなことをされていますか？

　ダンスの観客を集めるのは難しいですが、それも私たちの仕事のひとつです。ダンスは知的で抽象的なものだけではなく、親しみやすいものでもあることを紹介するようにしています。インターネットで公開する1分間のダンス・フィルムの制作を募集したところ、ダンス・アーティストではない学生やアマチュアからの申し込みもありました。ダンスハウスに来ている中高年のグループと若いアーティストを出会わせるようにもしています。あくまでもプロフェッショナルな仕事がメインではありますが、裾野を広げる努力は常にしています。

期待のアーティスト

期待のアーティストについて聞かせてください。伝統的なアイリッシュ・ダンスの影響はありますか？

　大きな意味では、伝統舞踊とコンテンポラリー・ダンスは、ほとんど交流はありません。観客層も演じる人も交流が乏しいですね。ただコリン・ダンのように、伝統のアイリッシュ・ダンスとコンテンポラリー・ダンスを融合させた作品を発表している人もいます。これはヨーロッパ全体に言えることですが、伝統が持つ身体の認識方法に興味を持つコンテンポラリー・ダンサーが増えています。多様な身体言語を探しているのでしょう。
また、リムリック大学にはダグダというカンパニーがありますが、大学内にビジュアル・アーティストが多いので、ダンスとの交流が頻繁に行われています。またダンスの修士課程もあり、そこで修士を取る学生も多く、リムリック大学は研究を基盤としたダンスの中心地となりました。ここには中馬芳子も4年ほど勤めていましたよ。　
Aoife Mcatamney & Nina VallonやLiz Roche Company、Elena Giannotti などは抽象的ですが存在感のある激しい動きをみせます。イギリスで活躍しているFabulous Beast (Michael Keegan Dolan)は身体性が高く、物語性も強く、問題作が多いですね。
Liv O’Donaghuはクラシックをベースにしながら伝統音楽も自由に使う若い世代です。Mary Wycherleyはミックス・メディアの作風。Fearghus ÓConchúir はロンドンとアイルランドを拠点としてゲイやマイナー・コミュニティについての作品を発表しています。
現在の傾向をいくつか挙げるなら、若い世代にはコンセプチュアルな作品、実験的な作品、ビジュアル・アーティストやミュージシャンとの共同制作も多く見られます。またアイルランド伝統の、言語へのこだわりを見せる作品もあります。アイルランドのアート・コミュニティは小さくダンス専用劇場は少ないですが、ギャラリーは多いので、様々なアーティスト同士がそこで出会い、交流しています。アイルランドは、「小さくても熱い国」です。地政学的には「大陸近くの島国」という点で似ている日本とも、これから交流を深めていければと思います。